人物国画赏析怎么写，如何写好人物赏析

1，如何写好人物赏析

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如何写好人物赏析

2，中国画赏析150字作文

现在所谓的中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。

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中国画赏析150字作文

3，名人字画如何鉴赏有什么技巧

如何鉴赏一副名人字画?对于一些名人画，应该如何判定年代呢?张慈生先生介绍，对于一些出名画家画的画，要从画家自身的师承、自身作画的几个时期等不同特点入手。比如齐白石老人的画，应该从齐白石最早练习的字入手，来判定年代，因为齐白石最早临摹的是何绍基的字，最后又临摹李北海的字。从画的落款处的字可以初步判定齐白石画的年代。如齐白石在题款时，“石”字在不同的时期，会有所变化，主要是横下面的一撇变化很大，他开始时一撇是从“横”右侧往左走，有弧形;再往后是从“横”的左侧往下走，在他87岁下半年的时候，从“横”的左侧下，之后把“口”字画一个圆圈;88岁时干脆就把这些笔画画成一个圈，89岁上半年还有将“石”字画圈的现象出现，到了下半年则“横”下的一撇又变得非常长。再有齐白石老人擅长画的螃蟹，螃蟹的壳就根据时代的不同有所变化，开始时是画五笔，后来画四笔，最后变成画两笔。这主要是他用纸张不同造成，借助纸的力量来让两笔变成一个非常好的螃蟹壳。可以参考出山网，名家字画鉴赏方法

一般有收藏爱好的人,习惯用印章来鉴别书画真假,这个不太好用,一般的书画家都是有多个印章,根据不同的书画内容用不同的印章,不等于同一位书画家写出的书画就肯定是相同的印章. 最好的鉴赏方法在收藏中积累,多看,多观赏,多琢磨,一幅好的书画作品是形神兼备.每一位能成为大家的书画家们都是有他的神在里面,无神的书画家们也是成不了大家,书画作品也是自然无收藏的价值. 笔者自己收藏的第一幅书法作品,是有着人民艺术家称号阳太阳的<<漓江烟雨>>,这幅书法是阳老在自己的房间里对着烟雨蒙蒙的漓江挥笔写上,四个字有着阳老一位老艺术家的艺术功底,也有着一位老人对万物的恬淡心境,当你看着那张书法的时候就好像看到了漓江上蒙蒙的烟雨,一位历经人世沧桑的老人面对着那景心里生出的那份共鸣和那份晚年的豪情. 笔者自己收藏的第二份书法作品,是目前在书法界的一匹小黑马,80后书法家李思桂书法<<茶道>>,这是笔者站在他身边请他当场写的,小李子从小是学中国画,他的书法里是有着行云流水般的飘逸,也有着中国画的传统用墨功底,一幅书法写起,小李子提着毛笔跟着字走,整个创作场景就是一幅画,美极了,一气呵成一副书法,形到神入,章盖得也是恰到好处,完全是画龙点晴. 笔者收藏的第一幅国画是秦有田的人物作品,六尺的<<高山流水>>,此画已经录入2005.2<<亚州书画>>,当时是秦有田带着他的夫人一起来笔者家里送画的,当看到那幅画和画家本人的时候,心里很是惊讶,画家看起来很平常,可那张画却是画功极细,有着很高的艺术造诣,人物的面部表情刻划得极为细致,一位老人拂琴,另一位老人在聆神细听,画中那份柔情神韵跃然于纸上,让观者几乎能听到那份琴声在喊起. 笔者收藏的第二幅国画是己出了画集的广西山水名家韦雅夫的一张大画,<<森林高山万古传>>,画家的画笔很细,画风清爽,对人生有着很高的追求,总是想着往上走的一位画家,他笔下的画也是豪情万千,现在己是中央美院的在读硕士研究生. 好的书画都是形神兼备,不仅是形有,更重要的神到,书画家写书法作画也是代表一种心境,如果能够在品味书画的同时领悟到书画家们那种对人生的感悟,那份心之所至,神之所至,就是真正的收藏家了.

名人字画如何鉴赏有什么技巧

4，中国画一般的鉴赏方法

初看国画，要欣赏的不是画面如此简单，还要看一下几项是否精美。1、画工画家作品，可表现出作者成就。画面的形象，就是画工的具体，我们往往主观批判该画的好与坏，就是受画工的影响最大。2、书法中国画与西方绘画不同之处，其中一项就是书法。国画画面上常伴有诗句，而诗句是画的灵魂，有时候一句题诗如画龙点睛，使画生色不少，而画中的书法，亦影响画面至大。书法不精的画家，大多不敢题字，虽然仅具签署。亦可窥其功底一二。3、印章画面上常见印章有各方面使用：画家的印玺、题字者私章、闲章、收藏印章、欣赏印章、鉴证印章等。而各种印章的雕工、印文内容、印章位置，都在评介之列。尤其古画，往往有皇帝、名家、藏家及鉴赏家的印鉴，可佐真伪。4、装框中国画装裱独具一格，常见有纸裱、绫裱两大类。纸裱较粗，绫裱较精。裱边的颜色、宽窄、衬边、接驳、裱工等都十分讲究。5、功力从事书画修养越久的人，他表现出的功力，是初学者无法掌握。尤其是书法，老手多仓劲有力，雄浑生姿。国画方面，其线条、设计、意景亦表现出作者功力。所以人生经验丰富的艺术家，其作品往往较年轻画家有不同表现，这就是功力。6、布局布局看来似是画面的设计，其实是作者胸怀中的天地，从画面布局中表现出来。中国画与西方绘画不同地方甚多，最明显之处就是"留白"，国画传统上不加底色，于是留白甚多，而疏、密、聚、散称为留白的布局。在留白之处，有人以书法、诗词、印章等来补白。亦有让其空白，故从布局可见作者独到之处。7、诗句字画中的诗词，往往代表主人的心声。一句好诗能表现作者的内涵和学养，一句好诗，亦能起到画龙点睛的作用。例如：明代画家张宏所作的《村径柴门图》，画家自题：“村径绕山松叶暗，柴门流水稻花香。”描绘松林环抱，崇山拱卫的庭院山庄，高大葱郁的苍松分为两组，如同两把打开的摺扇，掩护着山坳中的村落。村前稻田临水，田园丰美，正有辛弃疾“稻花香里说丰年，听取蛙声一片。”的词意。8、印文无论字或画，常有"压角"的闲章出现。所谓闲章就是画面或书法留白的角落。而印上的文字，有时影响字画甚大。从印文中也可看到者作者心态，或当时的环境。好的印文，配以好的雕刻刀法，盖在字画上，使作品更添光彩。扩展资料中国画有着自己明显的特征。传统的中国画，依南朝谢赫的古画品录评论：* 讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉* 讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。* 讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响* 讲究空白的布置和物体的“气势”。可以说西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术。国画是要表现“气韵”、“境界”。绘画的工具“笔墨纸砚”是中国古代文人不可缺少的工具，号称“文房四宝”，其意义不止于书写绘画方面，中国文人对其给予了深厚的文化内涵和感情，历代文人书画大家和笔墨纸砚相关的故事举不胜举。1、笔毛笔是中国所创，并影响到朝鲜，日本，等亚洲广泛地域的传统书写习惯。毛笔分硬毫，软毫和兼毫，硬毫以狼毫（黄鼠狼尾）为代表，软毫以羊毫（山羊须）为代表，根据写字绘画，种类，以及个人习惯的不同，用笔也不一样，羊毫柔软，狼毫刚健，兼毫柔中带刚。中国的书法和绘画，都是与毛笔的使用分不开的。尤其以湖州（今浙江善琏）之湖笔，宣州（今安徽泾县）之宣笔，及江西进贤之笔为上。 2、墨墨分“油烟”和“松烟”两种，油烟墨用桐油或添烧烟加工制成；松烟墨用松枝烧烟加工制成。古代徽州所产之墨，历来为文人所喜爱，徽墨有金不换之美称。颜料有两种，使用起来会产生不同的效果，其一种是植物质的，如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等，性能是透明、质细，但年久会褪色；另一种是矿物质的，如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等，性能是不透明，有覆盖力，年久不褪色。 3、纸中国画用纸种类广泛，如宣州所产宣纸，四川的皮纸，河南禹县布纸、湖南来阳棉纸等等，推而广之，不但是纸，绫，绢等织物都是绘画的材料。但宣纸种类多，产量高，品质好，其特性将国画要求的笔墨神韵能最好的发挥出来，且较绢等价格便宜，故宣纸几乎已成为国画用纸的代名词。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的，水墨不容易渗透，在上面可以工整细致地描绘，反复地上色，因此像绢织物一样，适合于画工笔画；生宣是没有经过矾水加工的，水墨容易渗透，落笔为定，无从更改，而且渗透开来，能产生丰富的笔墨变化，所以写意画多用生宣。4、砚砚是磨墨用的。要求细腻滋润，容易发墨，并且墨汁细匀无渣。砚以安徽歙县之歙砚，广东端溪的端砚，甘肃的洮砚、及山西的澄泥砚、最为名贵，号称四大名砚。常有古人为求一方名砚，不惜倾其所有。除文房四宝之外，印章、印泥、笔架、笔洗、笔筒、文镇等相关绘画用具还有很多，广义的文房四宝也将以上所举列入其中。参考资料来源：百度百科-国画参考资料来源：百度百科-中国画

赏析的基本方法中国画的鉴赏按科分，各有鉴赏重点山水画：一看笔墨，二看大势，三看气韵。人物画：一看笔墨，二看造型（形态），三看神韵。花鸟画：一看笔墨，二看形神，三看赋彩。中国画的鉴赏，如果按欣赏的距离说，要把握住近看笔墨，中看构图，远看气韵。说得具体一点，可操作性一点，即：一二步看笔墨，四五步看构图（大势），八九步看气韵。看笔墨主要是看笔触美不美，笔力是否遒劲，力能扛鼎。墨色是否充盈华滋，是否浑然一体。看构图主要看大势是否得体，有气势，是否新颖。看气韵主要是看是否形神兼具，生动放逸。扩展资料中国画的特点中国画有着自己明显的特征。传统的中国画，依南朝谢赫的古画品录评论：讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响。讲究空白的布置和物体的“气势”。可以说西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术。国画是要表现“气韵”、“境界”。绘画的工具“笔墨纸砚”是中国古代文人不可缺少的工具，号称“文房四宝”，其意义不止于书写绘画方面，中国文人对其给予了深厚的文化内涵和感情，历代文人书画大家和笔墨纸砚相关的故事举不胜举。笔毛笔是中国所创，并影响到朝鲜，日本，等亚洲广泛地域的传统书写习惯。毛笔分硬毫，软毫和兼毫，硬毫以狼毫（黄鼠狼尾）为代表，软毫以羊毫（山羊须）为代表，根据写字绘画，种类，以及个人习惯的不同，用笔也不一样，羊毫柔软，狼毫刚健，兼毫柔中带刚。中国的书法和绘画，都是与毛笔的使用分不开的。尤其以湖州（今浙江善琏）之湖笔，宣州（今安徽泾县）之宣笔，及江西进贤之笔为上。墨墨分“油烟”和“松烟”两种，油烟墨用桐油或添烧烟加工制成；松烟墨用松枝烧烟加工制成。古代徽州所产之墨，历来为文人所喜爱，徽墨有金不换之美称。颜料有两种，使用起来会产生不同的效果，其一种是植物质的，如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等，性能是透明、质细，但年久会褪色；另一种是矿物质的，如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等，性能是不透明，有覆盖力，年久不褪色。纸中国画用纸种类广泛，如宣州所产宣纸，四川的皮纸，河南禹县布纸、湖南来阳棉纸等等，推而广之，不但是纸，绫，绢等织物都是绘画的材料。但宣纸种类多，产量高，品质好，其特性将国画要求的笔墨神韵能最好的发挥出来，且较绢等价格便宜，故宣纸几乎已成为国画用纸的代名词。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的，水墨不容易渗透，在上面可以工整细致地描绘，反复地上色，因此像绢织物一样，适合于画工笔画；生宣是没有经过矾水加工的，水墨容易渗透，落笔为定，无从更改，而且渗透开来，能产生丰富的笔墨变化，所以写意画多用生宣。砚砚是磨墨用的。要求细腻滋润，容易发墨，并且墨汁细匀无渣。砚以安徽歙县之歙砚，广东端溪的端砚，甘肃的洮砚、及山西的澄泥砚、最为名贵，号称四大名砚。常有古人为求一方名砚，不惜倾其所有。除文房四宝之外，印章、印泥、笔架、笔洗、笔筒、文镇等相关绘画用具还有很多，广义的文房四宝也将以上所举列入其中。参考资料来源：搜狗百科-中国画

一、欣赏国画作品要看神韵就国画而言。看画一般要先看画面的整体气势，用中国术语来说就是先体味其“神韵”，或者是“神似”；然后再看她的笔墨趣味、画的构图、着色、笔力和线条等；最后才看她的造型，似像不像或形似。这种抓“神韵”的欣赏方法就是抓住了国画的实质。因为“神韵”是一种高层次的艺术审美享受，她是中国画家们追求的目标。当然，要从画中去体验到一种“神韵”并不是一种容易的事。它不但要求要有一定的审美能力和艺术修养，也要具备一定的国画的基本知识和文化内涵，才能够更好的去欣赏国画。二、欣赏国画作品要看笔墨在传统“六法”中谢赫将“骨法用笔”排在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则。体现了线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨动态、势向、韵律和节奏。以写神、写性、写心和写意为目的。中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特的感受是分不开的。古代绘画的先祖认为：以点作画易于零散和琐碎，以画作画易于模糊合平板，用线条最易于捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸和绢帛的特性。可以说线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂。用于绘画的线条是有生命力的。千百年来，中国的艺术家们伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆和繁简等不同质地，不同感受的线条。并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应等，在画面上构成诸多形式的造型，抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿，无不显现众多画家的奇才和功底。笔韵是国画家追求的最高境界。运笔时所表现出的一种内在节律、情感起伏，通过气与力的统一变化而形成。用笔的韵律感和节奏感亦是国画家们的心弦拨动。笔力、笔气和笔韵是有机结合的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势。三者完美的结合，方称上佳的用笔。或浑厚苍劲、刚健挺拔，或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱。无不是国画家们的千锤百炼和用心血汗水浇灌的结果。中国画以墨为主，以色为辅，是其基本特点。笔墨二字几乎成了中国画的代名词，如果说西方画是体、面、色的交响，那么中国画就是点、线、水、墨的协调。墨可分为：焦墨、浓墨、重墨、淡墨和清墨五大色阶。唐代张彦远论墨时说：草木敷荣，不待丹碌之彩；云雪飘扬，不待铅粉而白；山不待空青而翠，凤不待五色而彩。是故运墨而五色具，谓之得意，意在五色，则物象乖矣。中国的画家深谙绘画要旨，认为画面太枯燥，则有燥气；画面太湿，则无生气。墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之，一片淡墨必以浓墨破之，一片枯墨必以湿墨润之，一片湿墨必以枯墨提醒。观画时往往尚未看清具体形态就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染，在欣赏国画时往往也从这里入手。在中国画的创作过程中，始终离不开墨。用墨的方法有以下几种：泼墨法、积墨法、破墨法、宿墨法、渍墨法和蘸墨法等。好的国画无不在用笔、用墨、用线、用水等方面有高妙之处。在画面上显现出浓淡干湿变化。古人云：“干裂秋风，润含春雨”，就是这个道理。三、欣赏中国画要看构图和形式从古到今中国画的构图有诸多形式，自成章法布局。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。说法虽不一样，但其意相同。即画家将要表达的内容和形式加以组织、安排，构成一幅体现个性，呈现气势，和谐统一的整体画面。一幅作品的境界高地，奇特平庸，构图非常关键。构图的法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力。反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活、是眼界、是修养、是格调。构图具有极大的灵活性，因为中国画使用独特的散点透视法，用这种透视法来展现绚丽多彩多姿的世间万物，给绘画家们带来极大的自由空间和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体具象，只求构思和形象入理。中国画讲究稳中求奇、险中求稳、着意对并、打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。大多采用“三七停”起手法则，把主要物象放置在三七点上对打破均衡起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观画者以视觉美感。中国画博大精深，源远流长，她融诗书印于一炉。宋人邓椿说：“画者文之极也”，画到极致谈何容易。能创作几幅与众不同，经得起历史检验的作品并非易事。因循守旧不行，不师古人不行，师古不化也不行，不师自然、不师心也不行，走捷径，搞旁门左道更不行。绘画有高有低，因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神、妙、能”三品，朱景玄提出了“神”、“妙”、“能”、“逸”四品，黄修复则强调“逸”、“神”、“妙”、“能”四格。张彦远定了“自然”、“神”、“妙”、“精”、“谨细”五品级。不论是神先逸后，还是逸先神后，都说明中国画家始终追逐着高品位。充满着美学意识，自我意识，在借鉴传统的基础上艰难探索，力求创出个人高雅的风格，力争呈现出更加自然的气息。看画还要远观其势，近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，近看点线质量。“六法”精论，千古不移，是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法撼动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点，用这一法则鉴赏，评价中国画作品，其高低自可辨也。

一、欣赏国画作品要看神韵　　就国画而言。看画一般要先看画面的整体气势，用中国术语来说就是先体味其“神韵”，或者是“神似”；然后再看她的笔墨趣味、画的构图、着色、笔力和线条等；最后才看她的造型，似像不像或形似。这种抓“神韵”的欣赏方法就是抓住了国画的实质。因为“神韵”是一种高层次的艺术审美享受，她是中国画家们追求的目标。　　当然，要从画中去体验到一种“神韵”并不是一种容易的事。它不但要求要有一定的审美能力和艺术修养，也要具备一定的国画的基本知识和文化内涵，才能够更好的去欣赏国画。　　二、欣赏国画作品要看笔墨　　在传统“六法”中谢赫将“骨法用笔”排在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则。体现了线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨动态、势向、韵律和节奏。以写神、写性、写心和写意为目的。　　中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特的感受是分不开的。古代绘画的先祖认为：以点作画易于零散和琐碎，以画作画易于模糊合平板，用线条最易于捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸和绢帛的特性。可以说线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂。　　用于绘画的线条是有生命力的。千百年来，中国的艺术家们伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆和繁简等不同质地，不同感受的线条。并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应等，在画面上构成诸多形式的造型，抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿，无不显现众多画家的奇才和功底。　　笔韵是国画家追求的最高境界。运笔时所表现出的一种内在节律、情感起伏，通过气与力的统一变化而形成。用笔的韵律感和节奏感亦是国画家们的心弦拨动。笔力、笔气和笔韵是有机结合的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势。三者完美的结合，方称上佳的用笔。或浑厚苍劲、刚健挺拔，或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱。无不是国画家们的千锤百炼和用心血汗水浇灌的结果。　　中国画以墨为主，以色为辅，是其基本特点。笔墨二字几乎成了中国画的代名词，如果说西方画是体、面、色的交响，那么中国画就是点、线、水、墨的协调。墨可分为：焦墨、浓墨、重墨、淡墨和清墨五大色阶。唐代张彦远论墨时说：草木敷荣，不待丹碌之彩；云雪飘扬，不待铅粉而白；山不待空青而翠，凤不待五色而彩。是故运墨而五色具，谓之得意，意在五色，则物象乖矣。中国的画家深谙绘画要旨，认为画面太枯燥，则有燥气；画面太湿，则无生气。墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之，一片淡墨必以浓墨破之，一片枯墨必以湿墨润之，一片湿墨必以枯墨提醒。观画时往往尚未看清具体形态就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染，在欣赏国画时往往也从这里入手。　　在中国画的创作过程中，始终离不开墨。用墨的方法有以下几种：泼墨法、积墨法、破墨法、宿墨法、渍墨法和蘸墨法等。好的国画无不在用笔、用墨、用线、用水等方面有高妙之处。在画面上显现出浓淡干湿变化。古人云：“干裂秋风，润含春雨”，就是这个道理。　　三、欣赏中国画要看构图和形式　　从古到今中国画的构图有诸多形式，自成章法布局。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。说法虽不一样，但其意相同。即画家将要表达的内容和形式加以组织、安排，构成一幅体现个性，呈现气势，和谐统一的整体画面。一幅作品的境界高地，奇特平庸，构图非常关键。　　构图的法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力。反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活、是眼界、是修养、是格调。构图具有极大的灵活性，因为中国画使用独特的散点透视法，用这种透视法来展现绚丽多彩多姿的世间万物，给绘画家们带来极大的自由空间和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体具象，只求构思和形象入理。　　中国画讲究稳中求奇、险中求稳、着意对并、打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。大多采用“三七停”起手法则，把主要物象放置在三七点上对打破均衡起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观画者以视觉美感。　　中国画博大精深，源远流长，她融诗书印于一炉。宋人邓椿说：“画者文之极也”，画到极致谈何容易。能创作几幅与众不同，经得起历史检验的作品并非易事。因循守旧不行，不师古人不行，师古不化也不行，不师自然、不师心也不行，走捷径，搞旁门左道更不行。　　绘画有高有低，因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神、妙、能”三品，朱景玄提出了“神”、“妙”、“能”、“逸”四品，黄修复则强调“逸”、“神”、“妙”、“能”四格。张彦远定了“自然”、“神”、“妙”、“精”、“谨细”五品级。不论是神先逸后，还是逸先神后，都说明中国画家始终追逐着高品位。充满着美学意识，自我意识，在借鉴传统的基础上艰难探索，力求创出个人高雅的风格，力争呈现出更加自然的气息。　　看画还要远观其势，近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，近看点线质量。“六法”精论，千古不移，是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法撼动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点，用这一法则鉴赏，评价中国画作品，其高低自可辨也。

　　中国画鉴赏方法：　　一般来说应从形式入手.再分析内容.　　形式上，有构图,笔墨；内容上，讲究意象,意境.　　中国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。　　国画是汉族的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。